Alicia Framis

Alicia Framis是一位当代西班牙艺术家，居住并工作于荷兰阿姆斯特丹。她与其他艺术家和各个领域的专家进行跨学科合作，开发创意社交互动平台。Framis通常从实际社会困境出发，开发新颖叙事的场景同时给出解决方案。Framis曾与法国极简主义艺术家Daniel Buren和美国概念艺术家Dan Graham学习，她的作品可以归于关系美学、行为艺术和社会实践艺术流派。

她代表荷兰参加了第50届威尼斯双年展（2003年） 。她目前是荷兰阿姆斯特丹Sandberg Instituut的MA项目主任，并在西班牙马德里的Nebrija大学担任讲

师。2019年，Alicia Framis获得了2019-2022加利福尼亚卢卡斯艺术家视觉艺术奖。

Framis的作品在世界各地的博物馆、画廊和公共空间广泛展示。她的作品被收藏在多个永久馆藏中，包括美国华盛顿特区的赫希霍恩博物馆、中国北京尤伦斯当代艺术中心、美国纽约市的埃尔·穆塞奥博物馆、费城博物馆、瑞士苏黎世Migros当代艺术博物馆、荷兰鹿特丹Boijmans van Beuningen博物馆、日本京都国立现代艺术博物馆和Rabo艺术收藏等等。

Framis将在一个空间的中央创造一件镜面不锈钢雕塑。

这件雕塑反映了尘世和天堂、现实和想象之间的二元性。它是一件邀请人们反思和想象周遭世界的作品，提醒我们生命是在对立面之间不断寻求平衡的过程。此外，这件雕塑是互动的，允许参观者参与到作品的创作中，成为一次集体参与性的体验。

Framis邀请观众写下他们的愿望并将它们放入雕塑镜面的一个小开口中。

Framis认为个体和艺术品之间的可渗透边界以及它们之间的关系至关重要。

林芳璐

林芳璐于2016年和2012年分别在中央美术学院获得家居产品设计硕士和学士学位。

在完成硕士学位后，她决定亲身体验中国少数民族的传统习俗。她深入研究了云南白族妇女社区中消失的扎染技术和贵州侗族传统手织彩布。她的新系列纺织品在中国和海外的多个展览中展出。2020年，她被评选为著名的LOEWE FOUNDATION CRAFT PRIZE的30名入围者之一，来自世界各地的数千名申请人中脱颖而出。2021年，她获得了LOEWE FOUNDATION CRAFT PRIZE的一等奖。

她的作品被各种私人收藏家和博物馆收藏。她最新的作品被墨尔本国家美术馆（NGV）收购，并将在2024年的墨尔本三年展中展出。

林芳璐作为一名中国女性编织艺术家，重新审视并规划了传统上与女性相关的技术。在她的手中，布与线重新排列组合，痴缠地烙出了一幅幅精美雕塑的轮廓。林芳璐的灵感主要来源于位于云南的少数民族白族。她学取白族女性手艺人众多工艺中的一环——扎花，并升级了这种工艺。这项传统的技术穿越了千年，在林芳璐的手中再一次鲜活起来。她的雕塑或像盛放的花朵，或像茂密的丛林，或像海底的景观，或像外星生物。也正是因为她天马行空的想象力与脚踏实地的创造力，她才成功地将扎花这一技术又一次的带到了大众的眼前与国际的舞台上。这些普通的布料在她的手上仿佛被赋予了生命，像女性的身体般曼妙的延展。

艺术家没有制作平面作品，而是尝试复杂的几何图案，她利用从云南乡村学到的技艺，将柔韧的材料拓展到三维的空间，制作出有质感、触感的艺术作品。

也是通过这些作品，她向人们传递了女性当下的困境。那些辛苦劳作的女性，在男权的社会体系下被忽视和遗忘。而她通过作品所表达的女性力量，终有一日，会再一次的觉醒，被世人牢记。

叶红杏

叶红杏在中央美术学院版画系完成硕士学位。叶红杏独特的艺术风格为她赢得了世界性的广泛关注。法国时尚设计 师克里斯提·鲁布托及其同名品牌曾与她展开合作，她的作品被中国 社会各界知名人士收藏。红杏在世界各地，包括中国、欧洲以及美国 的画廊和美术馆举办过展览，并参与亮相国际性的艺术盛会包括巴黎 艺术博览会、伦敦艺术博览会、香港中心艺术博览会、艺术登陆新 加坡，印度当代艺博会(新德里)，巴塞尔迈阿密艺博会，上海当代 艺博会，北京当代艺博会，台北国际艺术博览会，科隆艺博会，“- SCOPE纽约”艺博会，“PULSE”艺博会(纽约)以及亚洲艺术展( 迈阿密)。

叶红杏曾获多次大奖，如2006年由科隆国际艺术展总监与亚洲美术馆总监参与评选的港龙航空新锐画家飞扬大奖。她成为北京时尚杂志SKP“女性新势力”一期中被深度提及的四 位艺术家之一。

叶红杏是一位博学的艺术家，她的作品刻画了当代社会的精神。以精致的油画、大理石雕塑和贴纸拼贴捕捉当代社会的多样性、复杂性和活力。她以混合媒介的组合著称，将贴纸这样普遍存在于我们物质文化中的产品置于耀眼而让人沉醉的马赛克画面中。红杏的每个新系列都是一个独立的宇宙，有着自己的神话、形态和寓意。

欣赏叶红杏的万花筒般的视觉呈现就像观看一场戏剧。你凝视的时间越长，就会看到更多的角色，每个角色都会轮流出现在聚光灯下。作品的视觉元素——颜色、形式和符号——相互组合和对话，推动着叙事的进展。作为观众，你沉浸在揭示与解释各种元素相互作用的过程中。每一次观看，你都会有新的发现和更多的理解。

刘磊

刘磊于2005年从中央美术学院版画系第二工作室获得学士学位。2017年，在同一学院版画系周继荣教授的指导下获得硕士学位。自2020年以来，一直在中央美术学院研究生院攻读博士学位，师从周继荣教授和刘立斌教授。她将于2023年获得博士学位。

自2006年以来，刘磊在中国各地的画廊和博物馆展示了她的作品。艺术+上海画廊将帮助刘磊成就更国际化的艺术生涯发展。

自本科以来，刘磊一直致力于版画创作和研究。她特别关注纸张。然而，在她的整体创作中，纸张已经超越了其简单的载体作用，成为一种版画媒介，探索扩展版画表达形式和语言的可能性。作为一种艺术创作，它也反映了她对社会和思想的感知和认知。

刘磊的艺术方法论来源于版画的“雕板印刷”模式。她使用纸张材料描绘艺术家与当代生活以及外部世界之间的关系。刘磊认为自己仍处于这条路的萌芽阶段，这是一个需要不断自我审视和自我超越的困难而漫长的过程，才能开花结果。这个过程类似于她的艺术作品，需要一层一层地剥离，接近事物的真正本质。

通过这项工作，刘磊旨在模拟人类认知的过程。人类的认知始于表面现象，但真相又有多远？虽然真相可能难以捉摸，但她坚信在表面现象背后，有更多的东西不为人所知。纸张层次和痕迹的变化揭示了它背后的真相，而色彩的变化也反映了人类理解的局限性。

唐征维  

唐征维出生于1987年，中国承州市。2011年获得中国美术学院壁画专业学士学位，2018年获得中央美术学院实验艺术硕士学位。

目前，唐征维将艺术实践集中在剪纸上。他使用各种材料创作细致的作品，包括水瓶标签、牛奶盒、宣纸以及大型剪纸雕塑。他的作品表达了他对中国和世界当前社会、经济、环境状况的深刻关注。

唐征维的艺术作品源于深入的研究、严谨的数据分析和精密的数学计算。他的作品曾在中国和日本展出，其中包括2016年在北京尤伦斯当代艺术中心和KWM艺术中心举办的“我们只知道某处”群展，以及同年在日本市原湖畔美术馆举办的中国民间艺术未来展。他的第一次个展于2018年在艺术+上海画廊举办。

在他的最新系列中，艺术家继续探索剪纸作为艺术形式的可能性。这需要身体的参与，导致艺术家对“力量”进行更深入的思考。艺术家认为剪纸是一种“绘画雕塑”，与传统绘画不同，可以将平面的特性从平面中解放出来，获得超平面和低雕塑的特性。

剪纸也是一个需要力量的过程。每当刀和纸相互对抗时，力量和形式之间的微妙关系就被呈现出来。这种关系促使艺术家从新的维度思考力量。通过科学技术，人类升级和转变他们的环境和自己，以实现进化。在这个过程中，有许多自我意识或无意识的力量将他们推向一个看不见的漩涡，在这个漩涡中，看不见的力量将人类的发展推向一个未知的方向。

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